''La lettera sul mare'' - Georges Castera (traduzione di Nino Muzzi)

Questo poema bilingue esplora temi di disperazione, conflitto interiore e lotta. La metafora delle rughe come cannonate mostra il passare del tempo come una forza distruttiva, che minaccia la città e i suoi abitanti. Le immagini oscure e violente, come gli alberi che strangolano gli uccelli e la morte onnipresente, creano un'atmosfera di soffocamento e pericolo imminente.

La traduzione italiana cattura bene l'essenza del testo originale, mantenendo la stessa intensità e le stesse immagini suggestive. La frase "col bilinguismo fra le cosce" suggerisce una tensione tra due culture o identità, una dualità che si riflette nel resto del poema.

''Distese'' - Felice Serino

La poesia di Felice Serino, intitolata "Distese", è una breve composizione che esplora il tema dell'ispirazione e della connessione profonda tra la parola e l'anima.
-  La poesia si concentra sull'amore per la parola, descritta come una "colomba" che vola sopra le "distese dell'anima". Questo paragone suggerisce un senso di leggerezza e libertà, con la parola che diventa un mezzo di elevazione spirituale e riflessione interiore.
-  La "colomba" simboleggia pace e purezza, mentre le "distese dell'anima" rappresentano un ampio spazio interiore, suggerendo un vasto campo di emozioni e pensieri che la parola può esplorare e arricchire.
-  La poesia utilizza un linguaggio evocativo e conciso, creando un tono contemplativo e riflessivo. L'uso di metafore e immagini poetiche contribuisce a trasmettere un senso di bellezza e serenità.
In sintesi, "Distese" di Felice Serino celebra il potere della parola come un veicolo di elevazione e ispirazione, usando immagini suggestive per esplorare la connessione tra linguaggio e anima.
 

''Ritorno al primo amore''- Bruno Castelletti

Castelletti utilizza la metafora nautica per descrivere un viaggio emotivo. La "navicella" fragile che naviga attraverso i "flutti tempestosi" simboleggia le sfide e i tormenti della vita. Tuttavia, il poema si conclude con una nota positiva, con l'immagine di un "naufrago felice" che trova un "porto quieto". Questo rappresenta un ritorno a uno stato di pace e amore originario.

Il poema evoca la resilienza e la capacità dell'amore di superare le prove. Le "albe chiare" e i "rossi tramonti" illustrano i momenti di chiarezza e passione intensa nella vita amorosa.

''Cipiglio Cielo'' - Laura Lapietra

In questo poema, la narratrice si presenta come un "nomade, vento dell'aria", una figura eterea che tenta di toccare il cielo con delicatezza ma anche con veemenza. Le immagini di "petali di rose" strappati e offerti al cielo suggeriscono sia un atto di adorazione che di disperazione. La lotta interiore tra il desiderio di connettersi con il cielo e la frustrazione di essere ignorata crea una tensione emotiva palpabile. L'idea del cielo che osserva impassibile senza mai cambiare accentua il senso di impotenza della narratrice.

Il poema riflette sul concetto di tempo immutabile e il desiderio umano di trovare un senso o un cambiamento nel corso degli eventi. La descrizione della narratrice come "zingaro dell'etere" e "incatenato ad essere libero" evoca una contraddizione esistenziale: il desiderio di libertà e la consapevolezza dei propri limiti. Il finale, dove svanisce come "alito di vento", sottolinea la natura effimera e transitoria della vita.

''Cullato'' - Nino Silenzi

Questo poema dipinge un quadro sereno e idilliaco della natura, con il mare e il vento che cullano l'osservatore. Le immagini di una "vela scomparire" e l'aroma di "resina" e "aromi salmastri" evocano una sensazione di pace e tranquillità. I "villini" baciati dal sole e i "gabbiani volanti" aggiungono alla scena una bellezza visiva e un senso di libertà.

Il poema celebra la bellezza della natura e la pace interiore che si può trovare in essa. La descrizione del "concento" [armonia risultante dal suono concorde di più voci o strumenti, o da un sapiente e suggestivo accordo eseguito su un solo strumento] che si innalza lentamente riflette una connessione profonda con l'ambiente circostante. L'ultima strofa, con l'immagine della nave che naviga attraverso la mente, suggerisce un viaggio interiore, una meditazione sulla pace e la serenità che la natura può offrire.

''Trauma!'' - Armando Bettozzi

Questo poema tratta il tema del trauma, visto come una presenza pervasiva e ingombrante. Bettozzi utilizza metafore potenti, come il trauma paragonato a una zecca che si nasconde nel bosco, e lo descrive come una scusa pronta per giustificare crimini e misfatti. La critica è rivolta alla società che, secondo il poeta, tende a giustificare ogni azione scorretta o criminale attribuendola a un trauma.

Il tono del poema è indignato e critico, e Bettozzi mette in discussione il modo in cui la giustizia viene amministrata, spesso influenzata da idee e passioni personali piuttosto che da un equilibrio equo. L'ultima strofa critica la tendenza moderna di evitare la responsabilità, proteggendo chi commette crimini come se fossero vittime di un destino inevitabile.

''Avventura'' - Marco Raimondi

In netto contrasto con il poema di Bettozzi, "Avventura" di Raimondi è un inno alla scoperta e alla trasformazione personale. Il poema narra il viaggio di un viandante attraverso un bosco antico, dove ogni passo rappresenta una nuova scoperta e un'opportunità di crescita. Le immagini naturali, come la cascata di cristallo e la pozza azzurra, creano un'atmosfera magica e incantata.

Il tema centrale è la liberazione dalle paure e la rinascita, simbolizzata dal viandante che si tuffa nell'acqua gelida e ne esce trasformato. Il poema celebra l'avventura e la capacità di affrontare l'ignoto con coraggio e apertura.

''Frustrazione'' - Salvatore Armando Santoro

Questo sonetto esplora il tema della frustrazione amorosa. Il poeta riflette su un amore non corrisposto, evocando immagini di bellezza e malinconia. Il dolce volto e gli occhi del colore del mare rappresentano l'oggetto del desiderio, ma il sentimento non ricambiato lascia un senso di scoramento e rimpianto.

Le immagini del vento gelido, la nebbia umida e le nubi che coprono il cielo aggiungono un tono di tristezza e desolazione. La frustrazione del poeta si esprime attraverso la consapevolezza del dolore e del silenzio che seguono un amore non corrisposto.

''Salici piangenti di lacrime amare'' - Piacentino Alessandra

Questo poema è una riflessione poetica sul dolore e il rimpianto. Le immagini di "salici piangenti" e "lacrime amare" evocano una profonda tristezza. Le lacrime, descritte come "ladri di sensazioni", suggeriscono il furto della pace interiore e la presenza costante del dolore. Gli "abbracci invisibili" di madri che asciugano le lacrime indicano un conforto che, pur essendo prezioso, non può completamente guarire il dolore.

La seconda parte del poema introduce immagini di "laghetti" e "desideri riflessi", rappresentando i sogni e le speranze sepolte nel tempo. La "polvere di una vita intera" e il "cemento di rimpianti" evocano il peso del passato che grava sull'anima. Tuttavia, c'è anche un messaggio di speranza: il "tesoro" che appartiene "al bello che rimane" e l'invito a cercare conforto nel calore del sole e nello "sguardo infinito di Dio".

''Cammino e vado incontro alla notte'' - Franco Fronzoli

Questo poema esplora il viaggio solitario del poeta attraverso la notte e la nebbia, un viaggio che simboleggia la ricerca interiore e la riflessione personale. La luna che si nasconde "negli strati di nebbia" e gli "alberi brulli senza foglie" creano un'atmosfera di desolazione e solitudine. Il poeta cammina "accompagnato dai miei pensieri, dalle mie speranze, dalle mie illusioni", riflettendo il peso delle aspettative e dei sogni non realizzati.

Man mano che il poema procede, si avverte un senso di attesa e di speranza. L'alba che arriva con "un fioco raggio di sole" rappresenta un nuovo inizio e la possibilità di rinnovamento. La ricerca di "una pioggia che al suo finire mi regali un arcobaleno'' simboleggia la speranza di trovare bellezza e significato anche dopo le tempeste della vita. Il poema si conclude con il poeta che continua a camminare "senza una meta", aperto alle esperienze e alle sorprese del nuovo giorno, in attesa di un nuovo tramonto e di una nuova notte.

''L'altra realtà'' - Sandra Greggio

Questo poema esplora il desiderio di evadere dalla realtà quotidiana e creare un mondo immaginario dove il cuore possa essere libero di sperimentare gioia e leggerezza. La narrazione si sviluppa attraverso immagini delicate e sognanti che evocano un senso di leggerezza e trascendenza.

Crearsi una realtà virtuale

Greggio inizia con l'idea di costruire una realtà alternativa, un mondo immaginario in cui il cuore è il protagonista. Questo suggerisce un desiderio di fuggire dalla vita quotidiana e dalle sue limitazioni, cercando un rifugio dove poter vivere liberamente le proprie emozioni.

Muoversi leggera come piuma

L'immagine della piuma che "volteggia" rappresenta una sensazione di libertà e leggerezza. La leggerezza della piuma e il suo movimento verso l'alto simboleggiano un'ascesa spirituale e un distacco dalle preoccupazioni terrene.

Tra spumose nuvole / Che lasciano intravvedere il sole

Le "spumose nuvole" suggeriscono un ambiente etereo e onirico, mentre il sole che appare tra di esse rappresenta la luce e la speranza, una visione di felicità e serenità che si intravede attraverso la nebbia dei problemi quotidiani.

Scoprire un percorso nuovo / Mai calcato da nessuno

Questi versi parlano di un viaggio unico e personale, un sentiero inesplorato che promette nuove scoperte e avventure. Questo percorso "vergine ed intatto" rappresenta l'idea di un'opportunità di ricominciare da capo, in un ambiente incontaminato.

Sentire una gioia ineffabile / Che non appartiene a questa terra

La "gioia ineffabile" che il poeta descrive è qualcosa di trascendente, una felicità che va oltre le esperienze terrene. Questa gioia è collegata a un luogo celeste, suggerendo che il vero appagamento può essere trovato solo al di fuori del mondo materiale.

Capire che sei venuta al mondo / Per ritornare lì in quello spazio

Il poema si conclude con una riflessione sulla vita e sul destino. L'idea che siamo venuti al mondo per tornare a uno spazio celeste implica una visione ciclica dell'esistenza, dove la vita terrena è solo una tappa di un viaggio più lungo verso un ritorno alla nostra vera casa spirituale.

"L'altra realtà" di Sandra Greggio è un poema che esplora temi di evasione, spiritualità e il desiderio di trovare un luogo di pace e felicità lontano dalle preoccupazioni terrene. Utilizzando immagini eteree e un linguaggio evocativo, Greggio invita il lettore a immaginare un mondo alternativo dove il cuore può finalmente essere libero e gioioso, suggerendo che la nostra vera destinazione è un ritorno a una dimensione spirituale e pura.

''Stormland'' - Jacqueline Miu

Questo poema, tratto da "La rosa dalla schiena nera" di Jacqueline Miu, è un appassionato appello a un'entità amorosa e tormentata, evocando immagini di intensità emotiva e fisica. Miu esplora temi di desiderio, sofferenza, e l'irresistibile attrazione tra due anime tormentate. La struttura del poema è diretta e cruda, riflettendo la natura impetuosa delle emozioni descritte.

Stormland / parlami se ti va

Il titolo "Stormland" e l'invocazione iniziale stabiliscono subito un tono di urgenza e di necessità. "Stormland" suggerisce un luogo tumultuoso e in tempesta, un paesaggio interiore di caos e intensità emotiva.

fatti trovare / afferrami dal traffico di sogni strappami alla strada

L'idea di essere "afferrata" dal traffico di sogni e "strappata" alla strada evoca un desiderio di essere salvata da una realtà confusa e caotica. C'è una richiesta di connessione e di intervento in un momento di smarrimento.

indossa le mie labbra / mordile / falle sanguinare

Questi versi esprimono un'intimità fisica e una volontà di condividere la sofferenza. Il mordere le labbra fino a farle sanguinare simboleggia un desiderio di unione attraverso il dolore e il sacrificio.

così la mia sofferenza ti possa baciare

Qui, il dolore diventa un mezzo di connessione, quasi un bacio. L'immagine è potente e viscerale, suggerendo che la sofferenza condivisa può essere un legame profondo tra due persone.

darò fuoco alla città con i battiti / tu non scappare lontano

Questi versi indicano un'intensità tale da poter "dar fuoco" alla città con i propri battiti, una metafora della passione travolgente. L'appello a non scappare sottolinea il desiderio di reciprocità e di presenza costante.

lascia una scia d’affetto qualche piccola briciola / mordi sto corpo con la tua esistenza

L'immagine della "scia d’affetto" e delle "piccole briciola" rappresenta il bisogno di segni tangibili di amore e affetto, mentre il "mordere il corpo con la tua esistenza" suggerisce una desiderata fusione delle vite e delle identità.

incidi nella mia carne le tue passioni

Questo verso richiama un'immagine di passione dolorosa e duratura, come se le passioni potessero essere tatuate nella carne, lasciando segni permanenti.

dammi una mano con il tormento / sta cosa strana che tiene in mano i nostri destini

Qui, il tormento è visto come qualcosa da condividere e affrontare insieme, mentre "sta cosa strana" che tiene i destini rappresenta forse il destino o l'amore stesso, qualcosa di misterioso e potente che guida le loro vite.

vorrei darle un nome / vorrei tu avessi un nome / ti chiamerò amore

Il desiderio di dare un nome a questo sentimento e di chiamarlo "amore" rappresenta un tentativo di definire e comprendere l'intenso legame tra i due. L'amore è visto come l'unica cosa resistente alle avversità.

unica cosa resistente alle fiamme all’inferno ai mali

L'amore è descritto come qualcosa di indistruttibile, capace di sopravvivere anche alle prove più dure, come le fiamme e l'inferno.

prenditi la mia aria / voglio trovarti / e se mi vedrai / ridammi il respiro

Questi versi finali esprimono un bisogno vitale di questa connessione. L'amore è visto come essenziale per la vita stessa, capace di ridare respiro e sostenere l'esistenza.

seda la mia sete / calma la mia fame / parlami se ti va / fatti trovare

Il poema si conclude con un ritorno all'appello iniziale, rafforzando il desiderio di comunicazione, connessione e presenza. La sete e la fame simboleggiano bisogni profondi e primari che solo l'amore può soddisfare.

"Stormland" di Jacqueline Miu è un intenso grido d'amore e di desiderio, ricco di immagini potenti e di emozioni crude. Esplora la natura tumultuosa del desiderio umano e la ricerca di connessione in mezzo al caos e alla sofferenza. La poetessa riesce a catturare l'essenza della passione e del tormento, rendendo il poema una potente espressione di vulnerabilità e forza.

''Il viaggio'' - Piero Colonna Romano

Questo sonetto riflette sulla fugacità della vita, la meraviglia del mondo naturale, e le incertezze sull'aldilà. Ricordando Democrito, filosofo che sosteneva che tutto è composto da atomi, il poeta esplora il tema della trasformazione e del destino finale dell'uomo.

Del mare la malia mi mancherà. / Del suo sfiorare sabbia che par canto,

Il poema inizia con un senso di nostalgia per la bellezza del mare, descritta con un linguaggio evocativo. Il mare, con il suo tocco gentile sulla sabbia, viene paragonato a un canto, creando un'immagine di serenità e armonia che l'autore teme di perdere.

del salso e del colore ch'è un incanto, / più non potrò goder nell'aldilà.

L'autore esprime la tristezza per la perdita di queste esperienze sensoriali una volta giunto nell'aldilà, evidenziando la bellezza effimera della vita terrena che non sarà più accessibile.

Neppure un sol ricordo ci sarà / per riveder di vita gioia e pianto,

L'idea che nell'aldilà non ci saranno ricordi di gioie e dolori vissuti è una riflessione sulla transitorietà della vita e sull'oblio che potrebbe seguire la morte.

per ripensare amori con rimpianto, / quand'un sipario buio m'avvolgerà.

L'immagine del "sipario buio" che avvolge l'autore rappresenta la fine della vita, con una nota di rimpianto per gli amori e le esperienze che non potranno essere rivissuti.

D'atomi diverrò. Restan questioni / sul senso ch'ebbe questo breve viaggio,

Questi versi introducono il tema centrale del poema: la trasformazione fisica in atomi dopo la morte, secondo la visione atomistica di Democrito. L'autore riflette sul significato del "breve viaggio" della vita.

sul senso ch'ebbe ancor l'essere nati.

La domanda esistenziale sul significato della nascita e della vita stessa rimane aperta, senza risposte definitive.

Per Chiese, in cielo, avrem sante emozioni. / Dicon, convinte, vita sia passaggio

Il poeta menziona la visione religiosa della vita come un passaggio verso un traguardo celeste, un'idea sostenuta con convinzione dalle chiese e dalle religioni.

verso un traguardo a premi pei fidati.

Questa visione promette ricompense per i fedeli nell'aldilà, un contrasto con la prospettiva materialista e scientifica dell'autore.

Ma i miei pensier vietati / raccontano che andran verso le stelle

Il poeta confessa i suoi pensieri "vietati" o non ortodossi, che suggeriscono una visione diversa del destino dopo la morte. Invece di un aldilà religioso, immagina i frammenti del proprio essere che si disperdono tra le stelle.

di me frammenti … e il resto son novelle.

Conclude che tutto il resto sono solo "novelle", storie o miti, indicando una visione scettica verso le credenze tradizionali sull'aldilà.

"Il viaggio" di Piero Colonna Romano è un sonetto che bilancia riflessioni filosofiche ed emotive sulla vita, la morte, e l'aldilà. Utilizzando un linguaggio evocativo e immagini potenti, il poeta esplora la bellezza del mondo naturale e le incertezze del destino umano, offrendo una prospettiva che sfida le credenze religiose tradizionali e abbraccia una visione scientifica e materialista.

''E muore'' - Ben Tartamo

Questo breve poema riflette sulla decadenza dell'anima che si chiude al mondo, contrapponendo l'isolamento alla generosità come fonte di vera gioia. Tartamo condanna la vita sprecata nell'egoismo e nell'apatia, proponendo il dono di sé agli altri come l'unica via per trovare significato e felicità.

E muore, sì muore giorno per giorno / quell'anima che chiusa s'è al mondo.

Il poeta inizia con una dichiarazione forte e diretta: l'anima che si isola dal mondo muore lentamente ogni giorno. Questa apertura enfatizza l'importanza della connessione con il mondo esterno per la vitalità dell'anima.

Oh, che vita più assurda e sprecata / se al Bene si è soltanto negata.

Qui, Tartamo riflette sulla futilità di una vita vissuta negando il bene. La vita diventa "assurda e sprecata" se non si persegue il bene, implicando che il senso della vita risiede nell'apertura agli altri e nella bontà.

Il dono di sé è fonte di gioia, / il resto, è farsa di pace. E noia.

Il poema conclude con una chiara dichiarazione: la vera gioia viene dal donarsi agli altri. Tutto il resto, che potrebbe sembrare pace, è solo una farsa e conduce alla noia. Questo suggerisce che l'autenticità e il senso di realizzazione derivano dall'altruismo.

"E muore" di Ben Tartamo è un poema conciso ma potente che esplora temi di isolamento, generosità, e il significato della vita. Con un linguaggio semplice e diretto, Tartamo invita il lettore a riflettere sulla propria esistenza, promuovendo il dono di sé come chiave per una vita piena e soddisfacente.

''Adesso'' - Carlo Chionne

La poesia di Carlo Chionne offre una riflessione critica sulla religione e l'umanità, contrapposta alla visione tradizionale di Dio e al significato dell'esistenza umana. Ecco i punti principali:

Dio e Umanità: Chionne propone che, se Dio esistesse, l'umanità non avrebbe reale significato. L'uomo è descritto come una combinazione di animalità (bisogni materiali) e pensiero (riflessioni filosofiche), con la libertà e la rivolta come elementi centrali.

Materia vs. Spirito: L'autore sostiene che la materia, non lo spirito, è alla base della vita e della creazione di Dio. Lo spirito è visto come un'invenzione umana priva di valore reale.

Critica alla Religione**: La Bibbia e la figura di Dio sono criticati come manifestazioni di gelosia, ingiustizia e autoritarismo. L'autore contesta la narrazione del peccato originale e la reazione divina, considerandola ridicola e contraddittoria.

L'Assenza di Dio e l'Umanità: Dio viene descritto come assente, lasciando la terra in balia di conflitti e disastri. L'autore osserva come l'umanità abbia iniziato a prendere controllo del proprio destino, diventando più "umana" senza la guida divina.

Critica ai Leader Moderni: Chionne critica i leader politici contemporanei come Giorgia Meloni e Matteo Salvini, accusandoli di sfruttare la religione per manipolare le persone e perpetuare il caos.

La poesia conclude con una riflessione sul bisogno di esprimere la propria frustrazione e il sollievo ottenuto attraverso lo sfogo, senza alcun vantaggio materiale.

Nel complesso, la poesia di Chionne offre una critica incisiva alla religione tradizionale e una visione materialista e realista della condizione umana.

"Il vecchio pescatore" di Alessio Romanini

La poesia di Alessio Romanini esplora il tema della fatica e della solitudine attraverso l'immagine del vecchio pescatore, utilizzando un linguaggio evocativo per esprimere riflessioni sulla vita e sull'esistenza umana.

La prima sezione descrive il pescatore con una schiena curva e una canna da pesca che riflettono la sua debolezza e la sua fatica. L’immagine delle onde e delle rughe accentua la durezza della vita del pescatore e il suo stato di solitudine e tristezza, che rispecchiano la condizione dell'anima del narratore.

Nella seconda sezione, le braccia tremanti del pescatore e la sua fatica sono simboli della sua esperienza di vita e della sua lotta contro il mare. L’orizzonte che guarda con amarezza rappresenta il rimpianto per una vita non vissuta pienamente. Le braccia tremanti sono paragonate ai suoi pensieri, suggerendo una profonda disillusione e un senso di vuoto interiore.

Il vecchio pescatore è una figura simbolica della fatica e della solitudine umana. Le sue caratteristiche fisiche e il suo comportamento riflettono il peso e la difficoltà della sua esistenza.

La poesia esplora il tema del rimpianto per una vita non pienamente realizzata e la riflessione sull'esistenza. L'immagine del mare e delle rughe serve a sottolineare il conflitto tra la vita vissuta e quella non realizzata.

In sintesi, la poesia di Romanini utilizza il ritratto di un vecchio pescatore per riflettere su temi universali di solitudine, fatica e rimpianto, offrendo una meditazione profonda sulla condizione umana.

Prof. Marino Spadavecchia

"La chiamano famiglia ma son Lacrime precarie di donne simili" di Piacentino Alessandra

In "La chiamano famiglia ma son Lacrime precarie di donne simili", Piacentino Alessandra offre un doloroso affresco della condizione femminile, incorniciando la quotidianità di molte donne attraverso un lessico crudo e immediato. La metrica, volutamente spezzata, riflette la frammentazione interna delle protagoniste. Con echi di autori come Sylvia Plath, la poetessa scava nella dimensione del sacrificio materno e del silenzio imposto, illuminando le "madri dannate" che, armate solo di un fazzoletto, affrontano la brutalità di una società patriarcale. Il verso che colpisce maggiormente è "Ed il tuo nome è nel mio cuore," che suggella un messaggio di resistenza e di memoria emotiva, nonostante la sofferenza e l'invisibilità sociale. Questo verso riecheggia con un’intensità che ricorda le grida soffocate delle eroine tragiche, rappresentando un atto di dignità e di rivendicazione identitaria.

"Lenta e ambrata sale sfiorando il mare la terra di Liguria" di Franco Fronzoli

Franco Fronzoli, in "Lenta e ambrata sale sfiorando il mare la terra di Liguria", compone un inno alla sua terra natale con una delicatezza quasi pittorica. La struttura del poema, stratificata in versi che evocano immagini olfattive e visive, richiama la tradizione della poesia paesaggistica italiana, da Montale a Cardarelli. La cadenza lenta e riflessiva del verso iniziale, "Lenta e ambrata sale sfiorando il mare la terra di Liguria," introduce il lettore a un viaggio sensoriale tra "profumo di basilico," "lenzuola al vento," e "notti magiche." Il linguaggio è ricco di musicalità interna, e la ripetizione di elementi naturali e culturali crea un ritmo che accompagna il lettore in un’esperienza sinestetica. Particolarmente potente è il verso "Genova distesa sul letto di dolore di un ponte crollato e subito rianimato," che riassume la resilienza e la capacità di rinascita della città, trasformando il dolore in forza collettiva. Questo verso è un monito alla memoria e una celebrazione della vita che continua nonostante la tragedia.

"The Discreet Charm of Neoliberalism" di Meena Kandasamy

In "The Discreet Charm of Neoliberalism", Meena Kandasamy affronta con feroce eleganza le contraddizioni e le falsità del neoliberismo. Il titolo stesso, che richiama il celebre film di Buñuel, anticipa un'opera che si muove tra ironia e critica sociale. La poesia, intrisa di riferimenti culturali e politici, usa un linguaggio accessibile ma denso di significato. La frase "Neoliberalism is not a word that belongs in any poem" riflette una consapevolezza meta-poetica che destabilizza le convenzioni letterarie, integrando la critica economica in un contesto lirico. La descrizione dell'amante che "kisses me, always, on the eyelids first" contrasta con la freddezza del discorso economico, creando un dualismo tra intimità e alienazione. Il verso "They have reduced language to a rotting corpse" è particolarmente incisivo, richiamando l'idea di una società che ha mercificato anche il linguaggio, privandolo di autenticità e vitalità. Kandasamy riesce a tessere un commentario sul potere e la resistenza, dove l'amore diventa un atto di sfida contro la spersonalizzazione imposta dal sistema neoliberale.

"Alle origini" di Felice Serino

In "Alle origini", Felice Serino ci trasporta in una dimensione atemporale, dove il concetto di "reset" della vita viene esplorato con delicatezza e profondità. La struttura della poesia è breve ma intensa, caratterizzata da un linguaggio essenziale e immagini potenti che evocano un ritorno alla purezza primordiale. Il verso "torneremo alle origini / come quando eravamo / non duplicati non infangati: veri" è particolarmente evocativo, richiamando l’idea di un'umanità incontaminata e autentica. La poetica di Serino si inserisce in una tradizione lirica che abbraccia il simbolismo e la ricerca di una verità esistenziale, risuonando con le opere di poeti come Rainer Maria Rilke. Il richiamo alla "prima luce" diventa un simbolo universale di rinascita e speranza, un tema che attraversa secoli di letteratura e filosofia.

"Per un solo istante" di Bruno Castelletti

Bruno Castelletti, con "Per un solo istante", ci regala una riflessione malinconica sull’amore e la giovinezza perduta. La narrazione poetica è intrisa di nostalgia e rimpianto, con un linguaggio semplice e diretto che risuona di autenticità. Il poeta utilizza immagini vivide, come "la piazza del paese traboccava / del vostro riso e delle vostre intese," per creare un contrasto tra il passato gioioso e il presente impregnato di desiderio inappagato. Il cuore del poema si trova nel verso "Intatta la tua luce, / intatta la freschezza / di quel tuo seno / bello e prorompente," dove la bellezza e la vitalità giovanile dell’amata sono rese eterne nella memoria del poeta. Castelletti riesce a catturare l'essenza dell'attimo fuggente, un tema caro ai poeti romantici e decadenti, mescolando con maestria il rimpianto per il tempo passato con un desiderio inalterato.

"L'ombra nera" di Cristiano Berni

"L'ombra nera" di Cristiano Berni è un grido di allarme e un atto di accusa contro le forze oscure che minacciano la società contemporanea. La poesia, con il suo tono apocalittico e la sua denuncia sociale, si inserisce nel solco della poesia civile e di protesta, ricordando le opere di autori come Pier Paolo Pasolini. Berni utilizza un linguaggio forte e diretto per descrivere "un'ombra di razzismo e intolleranza," creando un quadro desolante della condizione attuale dell'Italia. La ripetizione del termine "ombra nera" crea un ritmo incalzante e martellante, sottolineando l'urgenza e la gravità della situazione. Il verso "Potere di pochi / e schiavitù di molti" sintetizza efficacemente il messaggio del poema, richiamando alla mente le disuguaglianze sociali e politiche che affliggono il mondo moderno. Berni, con il suo stile incisivo e il suo impegno civile, ci invita a riflettere sulle minacce che incombono sulla nostra civiltà e a non arrenderci di fronte all'oscurità.

"Gesù Gesù, quanto amore mi dai!" di Pasquale Mesolella

Pasquale Mesolella, nel suo inno intimo "Gesù Gesù, quanto amore mi dai!", ci porta in un viaggio interiore profondamente personale e spirituale. Il poeta utilizza un linguaggio colloquiale e semplice, che crea un ponte diretto tra il lettore e le sue esperienze di dolore e redenzione. Le immagini del "cane fuggiasco" e del "camminare sotto i ponti" evocano una vita di emarginazione e sofferenza, ma queste immagini sono contrapposte al ripetuto e fervente riconoscimento dell'amore divino: "Gesù Gesù, quanto amore mi dai!". Questa dicotomia tra la sofferenza terrena e l'amore divino crea una tensione emotiva che permea tutto il testo, richiamando alla mente le opere di poeti come Cesare Pavese, dove il tormento esistenziale è mitigato dalla ricerca di un senso più alto. Mesolella riesce a fondere la quotidianità più cruda con una spiritualità profonda, offrendo al lettore un'esperienza poetica che è al contempo terrena e trascendente.

"Gendai Haiku" di Laura Lapietra

Laura Lapietra, con il suo "Gendai Haiku", dimostra una maestria nell'arte della sintesi poetica tipica della tradizione giapponese. Il verso "sopra l'ombrello é pioggia a catinelle - / suoni di clacson" dipinge un quadro urbano vivido e immediato, dove la natura e la modernità si incontrano in una scena quotidiana. L'haiku di Lapietra segue le convenzioni classiche del genere, ma con un tocco contemporaneo, catturando un momento fugace con precisione e profondità. La scelta delle immagini, semplici ma evocative, rispecchia l'estetica del wabi-sabi, celebrando la bellezza dell'impermanenza e dell'imperfetto. Questo haiku non solo comunica una scena visiva, ma anche un suono e un'atmosfera, dimostrando la capacità della poesia breve di evocare un'esperienza sensoriale completa.

"Un fatto, una poesia" di Armando Bettozzi

Armando Bettozzi, con "Un fatto, una poesia", ci offre una critica sociale acuta mascherata da un dialogo quasi teatrale. Utilizzando un linguaggio dialettale e un tono ironico, il poeta esprime il disincanto verso il panorama politico francese e, per estensione, verso la democrazia contemporanea. La poesia si sviluppa come una conversazione vivace e sarcastica, in cui Bettozzi mette in luce la confusione e il caos seguiti alle elezioni, rappresentati dalla metafora della "tour de babèl." Il gioco di parole e le immagini vivide, come "l'ammucchiata de li pistacalli / che cianno er gallinaro come sito," sottolineano la percezione di un disordine politico e sociale. La capacità di Bettozzi di intrecciare critica sociale e umorismo ricorda lo stile di autori come Trilussa, creando un'opera che è al contempo provocatoria e intrattenente.

"Dovunque tu sei (A Elena)" di Salvatore Armando Santoro

Salvatore Armando Santoro, nel suo delicato omaggio "Dovunque tu sei (A Elena)", cattura l'essenza dell'amore e della presenza immutabile di una persona cara. La poesia si articola come una dichiarazione di presenza eterna e rassicurante, dove la figura di Elena diventa una stella luminosa che, nonostante l'ombra, continua a brillare con intensità propria. L'uso di versi semplici e diretti, come "Ancora ci sei / presente tu sei," conferisce al testo una sincerità e una profondità emotiva che risuonano nel lettore. La struttura ritmica e l'uso di ripetizioni creano una sorta di mantra, una preghiera laica che celebra la connessione indissolubile tra due anime. Santoro riesce a trasmettere un senso di conforto e speranza, rendendo palpabile l'idea che l'amore vero trascende tempo e spazio.

"Esuber-danza" di Ben Tartamo

Ben Tartamo, con la sua vivace "Esuber-danza", esplora il tema della sincerità e della verità attraverso un linguaggio esuberante e lirico. La poesia si apre con un'ode alla "cinica intransigenza", un invito a esprimere senza remore ciò che si pensa. L'autore celebra la purezza dell'onestà, contrapposta all'ipocrisia, e lo fa con un ritmo musicale che ricorda una danza, come suggerito dal titolo stesso. L'uso di rime e assonanze, come in "quell'esuberante essenza / di una primavera mensa," crea un flusso armonioso che riflette l'idea di un'anima libera e sincera. Tartamo incarna la poesia come un atto di carità, un dono di verità che scardina l'ipocrisia con la sua "sferzante poesia". La sua capacità di infondere energia e movimento nei versi rende la lettura un'esperienza dinamica e coinvolgente, invitando il lettore a riflettere sulla propria autenticità.

"Interpreti" di Alessio Romanini

Alessio Romanini, in "Interpreti", ci introduce in un teatro metaforico dove ogni individuo è un attore su un palcoscenico globale. La poesia, con il suo tono teatrale e solenne, invita i lettori a riconoscere il ruolo che ciascuno di noi gioca nella "scena" della vita. L'apertura, "Benvenuti in questo gaudio teatro", stabilisce immediatamente un'atmosfera di spettacolo e introspezione. Romanini utilizza l'immagine della maschera per rappresentare le facciate che indossiamo nella società, e il "sipario" che sale diventa una metafora per la verità che si rivela. Il messaggio si rivolge a coloro che, seduti in platea, osservano la realtà con occhi distorti dalla stoltezza, suggerendo una critica sottile alla passività e alla superficialità. La chiusa, "Arrivederci nel mesto teatro," lascia un sapore agrodolce, una riflessione sulla transitorietà della vita e il nostro ruolo in essa.

"La vita chiama" di Sandra Greggio

Sandra Greggio, con "La vita chiama", ci guida attraverso un percorso di ritorno all'essenza e alle radici dell'esistenza. La poesia è un viaggio di riscoperta personale e di riconnessione con ciò che è stato abbandonato troppo a lungo. L'incipit ripetuto, "È tempo che io ritorni", funge da ritornello, sottolineando l'urgenza e la necessità di questo ritorno. La poetessa utilizza immagini evocative e leggere, come "foglia dal vento portata" e "farfalla sul fiore posata", per rappresentare la sua assenza e il suo vagabondare. La casa silenziosa e il fuoco spento simbolizzano il vuoto e la mancanza di calore e vita che ora cerca di riaccendere. La chiusa, con la dichiarazione "È tempo di vivere di nuovo", non è solo un desiderio ma una risoluzione piena di speranza e determinazione. Greggio riesce a trasmettere un senso di rinascita, di un ritorno non solo fisico ma anche emotivo e spirituale.

"Gocce d'infinito" di Antonia Scaligine

Antonia Scaligine, in "Gocce d'infinito", ci offre una riflessione profonda e malinconica sulla natura transitoria delle emozioni e dei ricordi. La poetessa utilizza la metafora delle "gocce d'infinito" per rappresentare le emozioni fugaci che, come gocce, si accumulano e svaniscono, lasciando tracce sottili ma indelebili. La poesia è un lamento per le sensazioni perdute, con immagini potenti come "il giorno che si accascia sul letto della sera" e "mi accascio nell’ombra della notte". Scaligine descrive un viaggio attraverso i ricordi, sospeso tra nostalgia e rassegnazione, con un ritmo che imita il fluire lento e inevitabile del tempo. La sua lotta per aggrapparsi ai ricordi e alle emozioni passate è palpabile, e la conclusione lascia un'impressione di un desiderio insoddisfatto ma persistente. L'immagine delle "gocce d'infinito" che cadono in una stanza vuota evoca un senso di solitudine e di ricerca continua di significato e di connessione.

"Miagolatore seriale" di Jacqueline Miu

Jacqueline Miu, con "Miagolatore seriale", ci trascina in un universo di passione e malinconia, tessendo un'opera intrisa di simbolismo e immagini evocative. La poesia si apre con un’immagine notturna, dove il buio regna sovrano e il cuore dell'io lirico brucia di desiderio. Miu usa metafore ardite e potenti, come "fantasmi come anemoni in un mar di stelle", per trasportarci in una dimensione onirica e surreale.

Il "gatto miagolatore seriale" rappresenta l'io lirico, un amante respinto e invisibile, che sanguina inchiostro per trasformare il suo dolore in poesia. Questo gatto non è semplicemente un animale, ma un simbolo dell'artista tormentato, del poeta che, come Poe, è afflitto e consumato dai propri demoni. La sua notte è popolata da "demoni venuti dall’oblio" che custodiscono una porta inaccessibile, metafora di un amore irraggiungibile.

La sezione finale della poesia porta un cambiamento tonale. Il linguaggio si fa più concreto, quasi urbano, con odori di "olio motore e fumi" che si mescolano ai profumi naturali, segno di una vita vissuta intensamente e di una città che consuma i suoi abitanti. Nonostante la desolazione, l'io lirico persevera, non per salvare l’amata, ma per esprimere un amore che è al contempo una condanna e una dichiarazione di eterno desiderio.

"Nemesi" di Piero Colonna Romano

Piero Colonna Romano, in "Nemesi", offre una visione apocalittica e morale della condizione umana. La poesia è un sonetto classico, in cui la natura, personificata e adirata, si vendica delle offese subite dall'umanità. La "natura violentata" reagisce con "ira funesta", un'eco virgiliana che sottolinea la gravità dell'offesa e la severità della punizione.

Il "virus che divenne una tempesta" è descritto come un'azione di pulizia, una sorta di igiene universale che richiama le sanzioni bibliche. L’immagine delle "salme a grandinata" è potente e macabra, evocando una catastrofe di proporzioni epiche. La poesia si sviluppa come un monito, suggerendo che questa punizione divina dovrebbe servire da lezione all'umanità.

Tuttavia, l'ultima terzina introduce una nota di pessimismo: l'uomo, una volta superata la crisi, tornerà rapidamente ai suoi vecchi peccati. Questo finale sconfortante riflette una visione ciclica e fatalista della storia umana, dove la speranza di redenzione è vana. Romano ci lascia con una riflessione amara sulla natura umana e la sua incapacità di imparare dalle proprie azioni.

Prof. Marino Spadavecchia

"A Aurelio per il… 7 luglio 2024" di Armando Bettozzi

Il componimento è strutturato in quattro quartine con rime alternate (ABAB), seguendo un ritmo classico che conferisce musicalità al testo. Questa scelta metrico-stilistica evoca reminiscenze della tradizione poetica italiana, in particolare dei sonetti petrarcheschi e delle rime giocose di Lorenzo de' Medici.

La poesia si incentra sul tema del passare del tempo e della riflessione sulla vita, elementi comuni nella lirica filosofica e riflessiva. L'uso di domande retoriche nelle prime due righe ("Il Tempo passa e noi gli andiamo appresso. / O è il contrario, e è lui a trascinarci?") invita il lettore a considerare la propria percezione del tempo, un tema caro alla letteratura esistenziale di autori come Leopardi e Montale.

L'autore celebra il compleanno di Aurelio, enfatizzando un approccio ottimistico e vitale alla vita. Il tono della poesia è di serena accettazione, con un sottotono di ironia bonaria, specialmente nel descrivere le "magagne" dell'età avanzata.

Il componimento richiama alla mente lo stile colloquiale e riflessivo di poeti come Trilussa, noto per il suo modo di trattare temi profondi con leggerezza e semplicità. Inoltre, la celebrazione della vita quotidiana e delle sue piccole gioie è un tratto distintivo della poetica di Pascoli, che Bettozzi sembra rievocare.

"Dileggio" di Salvatore Armando Santoro

La poesia è composta da quattro quartine con rime alternate (ABAB), ma il tono e lo stile differiscono notevolmente dalla prima. Qui, la metrica regolare serve a sottolineare la linearità del pensiero dell'io lirico, creando un contrasto tra la calma apparente della forma e l'intensità emotiva del contenuto.

"Dileggio" esplora il tema della delusione amorosa e del desiderio non corrisposto. L'autore utilizza un linguaggio semplice e diretto, evocando un'immagine di quotidianità e malinconia. La scena iniziale del parcheggio sotto il balcone e il vento che "sembra proprio un chiacchierone" richiamano atmosfere cinematografiche, simili a quelle presenti nelle poesie di Eugenio Montale, dove il paesaggio diventa metafora dei sentimenti interiori.

Il tono della poesia è dolente e riflessivo, con un finale che esprime un senso di rassegnazione e amarezza ("solo dileggio spetta a chi sa amare"), ricordando la disillusione presente nella poesia crepuscolare di Gozzano.

Il componimento di Santoro può essere accostato alla tradizione lirica italiana che esplora la tematica dell'amore non corrisposto, simile al Petrarca del Canzoniere, dove l'assenza dell'amata e il dolore dell'innamorato sono temi ricorrenti. Inoltre, l'introspezione e il senso di perdita richiamano le opere di Umberto Saba, che spesso trattava la fragilità dei sentimenti umani.

"Cose belle che scalpitano dentro" di Alessandra Piacentino

Il componimento di Alessandra Piacentino è libero da vincoli metrici e rime, seguendo una struttura tipica della poesia moderna. L'uso del verso libero permette una fluidità espressiva che enfatizza le immagini evocative e la spontaneità del pensiero poetico.

La poesia esplora il tema delle emozioni e delle bellezze nascoste dentro di noi, paragonandole a elementi naturali e fenomeni atmosferici. La scelta di parole come "corolle di petali rosa", "steli di stelle", e "fusa mature di un girasole" crea un ricco tessuto di immagini sensoriali che richiamano alla mente la poesia di autori come Federico García Lorca e la sua capacità di dipingere scene vivide e surreali.

L'autrice utilizza una serie di metafore per descrivere le emozioni interne, come "Cavalli in quest’aria rarefatta di primavera" e "arcobaleni infiniti di pugnali ed abbracci", accostando elementi contrastanti per enfatizzare la complessità delle sensazioni umane. Questo stile, che combina dolcezza e intensità, ricorda le opere di Emily Dickinson, dove la natura e le emozioni si intrecciano in modo profondo e personale.

Il ricorso a immagini della natura e la capacità di evocare sensazioni forti attraverso il linguaggio richiamano anche la poesia di Pablo Neruda, noto per la sua abilità nel trasformare l’ordinario in straordinario. Inoltre, la riflessione sul tempo che passa e la bellezza che permane, nonostante il cambiamento, può essere associata alla poetica di William Wordsworth, che esplora la continuità delle esperienze umane attraverso la natura.

"Cammino e vado incontro alla notte" di Franco Fronzoli

La poesia di Franco Fronzoli è anch'essa priva di una metrica rigida, caratterizzata da versi liberi che conferiscono al testo un tono meditativo e riflessivo. La frammentazione dei versi e l'uso di spazi bianchi creano una sensazione di pausa e respiro, invitando il lettore a seguire il ritmo interiore del poeta.

Il componimento esplora il tema del viaggio interiore e della ricerca di significato, con un forte senso di solitudine e introspezione. L'immagine del "cammino" è centrale e simbolica, evocando una peregrinazione non solo fisica ma anche spirituale. Il paesaggio descritto, con "alberi brulli senza foglie" e "nebbia sempre più intensa", crea un'atmosfera di desolazione e attesa, che ricorda le opere di autori come T.S. Eliot e la sua visione del mondo come un luogo di desolazione e ricerca.

La poesia si apre e si chiude con immagini di transizione, dalla notte al giorno, dalla nebbia al sole, riflettendo la ciclicità del tempo e della vita. Questa struttura ciclica e la meditazione sulla natura temporanea delle cose richiamano la poesia haiku giapponese, che spesso cattura momenti effimeri con grande intensità emotiva.

La riflessione sul tempo e la ricerca di significato nel cammino della vita possono essere paragonate alla poesia di Robert Frost, in particolare al suo famoso poema "The Road Not Taken", dove il viaggio e le scelte di vita diventano metafore della condizione umana. Inoltre, l'uso di immagini naturali e la descrizione dettagliata del paesaggio evocano lo stile di Wallace Stevens, che spesso utilizza la natura per esplorare temi filosofici e esistenziali.

"Equazione" di Enrico Tartagni

"Equazione" di Enrico Tartagni è una poesia che si distingue per la sua libertà metrica e la mancanza di uno schema di rime tradizionale. La struttura del testo segue il flusso del pensiero, frammentato e complesso, caratteristica che riflette l'agitazione e la confusione interna del poeta.

La poesia esplora il tema dell'alienazione e dell'incomprensione, utilizzando un linguaggio ricco di metafore e simbolismi matematici. Lo "stato di distrazione" che "passa senza morirne il mio corpo" e "assorbono inutili spazi allargati aequatio" suggeriscono una ricerca di ordine e significato in un mondo caotico. L'uso di termini come "fertile mezzaluna", "abaco di polvere di sabbie" e "Traslati i calcoli e gli amori" evoca immagini che combinano elementi scientifici con visioni poetiche, creando un effetto di disorientamento e meraviglia.

Il linguaggio scientifico e l'uso di immagini astratte ricordano le opere di autori come T.S. Eliot, noto per la sua capacità di mescolare cultura alta e bassa in un contesto poetico. La frammentazione del pensiero e la riflessione sull'incomprensibilità del mondo possono essere paragonate alla poesia di Paul Celan, che spesso esplora temi di trauma e disorientamento attraverso un linguaggio criptico e simbolico.

Tartagni utilizza l'anafora e l'enjambement per creare un ritmo incalzante che riflette l'agitazione interna del poeta. La mancanza di punteggiatura tradizionale e l'uso di frasi spezzate contribuiscono a un senso di urgenza e di caos, mentre le immagini scientifiche e naturali creano un contrasto affascinante tra ordine e disordine.

"A Poem On Not Writing Poems" di Meena Kandasamy

Il poema di Meena Kandasamy è anch'esso privo di una metrica rigida e si sviluppa attraverso versi liberi che riflettono una narrazione personale e profondamente emotiva. La struttura del testo segue un flusso di coscienza che collega riflessioni personali a osservazioni sociali e politiche.

Kandasamy esplora il tema del silenzio e della censura, sia autoimposta che esterna, in un contesto di repressione politica e sociale. La poesia affronta la difficoltà di esprimere il proprio dolore e la propria ribellione in un mondo in cui la verità viene spesso soppressa. L'immagine delle "donne Tamil" che tracciano il "kolam" ogni giorno diventa una potente metafora della resistenza e della creatività femminile di fronte all'oppressione.

La riflessione sulla censura e la repressione richiama le opere di autori come Anna Akhmatova e Osip Mandelstam, che hanno affrontato temi simili nelle loro poesie sotto i regimi totalitari. Inoltre, l'uso del simbolismo culturale e delle immagini quotidiane per esprimere temi profondi è una tecnica che può essere paragonata alla poesia di Adrienne Rich, che spesso esplora la politica del corpo e della voce femminile.

Kandasamy utilizza l'allitterazione, l'anafora e le metafore per creare un testo ricco e stratificato. L'uso di immagini quotidiane, come il "kolam" e la "farina di riso", conferisce al poema una dimensione domestica e intima, mentre la riflessione sulla repressione politica aggiunge un livello di urgenza e gravità. La combinazione di personale e politico è tipica della poesia confessionale, ma con una forte componente di resistenza e resilienza.

"Luce di luna" di Antonietta Ursitti

"Luce di luna" di Antonietta Ursitti presenta una struttura libera, senza una metrica fissa o uno schema di rime rigido. La poesia è composta da versi brevi che conferiscono un ritmo delicato e cullante, in sintonia con il tema della luna che culla i pensieri.

Il tema principale della poesia è la serenità e la quiete notturna, rappresentate dalla luce della luna. La luna è personificata come una figura materna che lambisce le "nuvole strappate" e culla i pensieri "stretti nel tuo abbraccio materno". Questa immagine evoca una sensazione di calma e protezione, sottolineata dall’uso di termini come "calmo riflesso", "limpide acque del mare" e "tiepido vento della sera".

La rappresentazione della luna come una figura confortante e materna richiama alla mente il lavoro di autori romantici come Percy Bysshe Shelley e John Keats, che spesso descrivevano la luna come una fonte di bellezza e tranquillità. Inoltre, l’uso del paesaggio notturno e delle immagini naturali può essere paragonato alla poesia di Federico García Lorca, che spesso esplora temi simili con un linguaggio evocativo e sensuale.

Ursitti utilizza immagini visive potenti e personificazioni per creare un’atmosfera di quiete e introspezione. La scelta di termini morbidi e fluidi contribuisce a un senso di dolcezza e pace. L’assenza di rime e la struttura libera permettono alla poesia di scorrere come un riflesso della luce lunare sulle acque, fluido e naturale.

"All’improvviso" di Renzo Montagnoli

"All’improvviso" di Renzo Montagnoli è una poesia in versi liberi, senza rime fisse, che segue un flusso narrativo riflessivo. La struttura è più lunga rispetto a "Luce di luna", con una progressione che accompagna il lettore attraverso un viaggio emotivo e temporale.

Il tema centrale della poesia è la riflessione sul passare del tempo e la consapevolezza dell’invecchiamento. Montagnoli descrive con precisione e delicatezza il momento in cui una persona riconosce i segni del tempo sul proprio corpo e la propria mente, e affronta il rimpianto per le occasioni perdute. Tuttavia, c’è anche un senso di accettazione e di speranza, rappresentato dal "ricordo di due occhi che ti incantarono" e dall’"oasi insperata nel deserto del grigiore".

Il tema dell’invecchiamento e del rimpianto richiama alla mente le poesie di William Butler Yeats, in particolare "Sailing to Byzantium", dove il poeta riflette sulla vecchiaia e la ricerca di un senso di immortalità attraverso l’arte. Anche Philip Larkin, con le sue poesie sulla mortalità e il passare del tempo, può essere visto come un parallelo letterario.

Montagnoli utilizza una lingua semplice ma evocativa, con immagini chiare e immediate che descrivono il corpo e la mente invecchiati. L’uso di ripetizioni, come in "fatica il tuo corpo, fatica la tua mente", rafforza il senso di stanchezza e rassegnazione. La transizione dalla descrizione fisica a quella emotiva, culminando in un’accettazione malinconica ma serena del proprio stato, crea un percorso emotivo coinvolgente e universale.

"Segmenti" di Felice Serino

"Segmenti" di Felice Serino è una poesia libera, priva di una metrica rigida o di uno schema di rime. La struttura irregolare dei versi riflette il contenuto frammentato e pensieroso del testo, con l'uso di enjambement che guida il lettore attraverso il flusso di pensieri dell'autore.

Il tema centrale della poesia è la riflessione sull'identità e la percezione, con una particolare attenzione ai pensieri e alle emozioni che attraversano la mente. La domanda iniziale "saprò io riconoscerti?" introduce l'incertezza e il dubbio esistenziale, mentre l'immagine del "moscerino" che attraversa la "luminosità del monitor" simboleggia la natura fugace e frammentata dei pensieri umani.

La riflessione sull'identità e la percezione richiama alla mente le opere di poeti modernisti come T.S. Eliot, che esplorano la frammentazione della mente moderna e la complessità dell'esperienza umana. Anche i temi di luce e cosmo possono trovare eco nella poesia di Wallace Stevens, noto per la sua esplorazione della realtà e della percezione attraverso immagini evocative.

Serino utilizza immagini visive potenti e un linguaggio evocativo per esprimere la complessità dei pensieri. L'immagine del moscerino che attraversa il monitor crea un parallelo visivo con i pensieri che attraversano la mente, mostrando come entrambi siano fugaci e inafferrabili. La struttura irregolare dei versi riflette la natura tortuosa e frammentata dei pensieri, sottolineando l'idea di un costante arrabattarsi tra le righe della vita.

"Pensieri" di Bruno Castelletti

"Pensieri" di Bruno Castelletti è una poesia caratterizzata da una struttura regolare, con versi brevi e ritmati che conferiscono un senso di leggerezza e fluidità al testo. L'assenza di uno schema di rime rigido permette alla poesia di mantenere un tono naturale e spontaneo.

Il tema principale della poesia è la natura effimera e mutevole dei pensieri, rappresentati attraverso immagini delicate e naturali. I "pensieri color rosa" e le "labbra come fiori di pesco a primavera" evocano un senso di freschezza e rinascita, mentre i "pensieri leggeri come nuvole lievi" sottolineano la loro transitorietà.

L'uso di immagini naturali e la celebrazione della bellezza effimera dei pensieri richiamano alla mente la poesia di William Wordsworth, che spesso esplora la connessione tra la natura e le emozioni umane. Anche i poeti giapponesi haiku, come Bashō, possono essere considerati un parallelo per l'abilità di Castelletti di catturare momenti fugaci e renderli eterni attraverso la poesia.

Castelletti utilizza un linguaggio semplice e diretto, con immagini vivide e immediate che evocano la bellezza della natura e dei pensieri. La ripetizione di "Pensieri" all'inizio di ogni strofa crea un ritmo incalzante e un senso di continuità, mentre le immagini di fiori, nuvole e cieli turchini conferiscono alla poesia una qualità sognante e serena.

 "Monoku" di Laura Lapietra

"Monoku" è un breve componimento poetico che aderisce alla forma tradizionale giapponese, simile a un haiku, ma composto di un solo verso. Questa brevità esige una concisione estrema e una capacità di evocare immagini vivide in pochissime parole.

Il tema principale del monoku è la bellezza naturale e la quiete che può portare l'osservazione attenta dell'ambiente circostante. Il verso unico, "caldi raggi di sole filtrano le magnolie fiorite", evoca un'immagine di luce e delicatezza, suggerendo un momento di contemplazione serena e intima.

La poesia di Lapietra richiama alla mente la tradizione dei poeti haiku giapponesi, come Matsuo Bashō, che utilizzano brevi versi per catturare momenti di bellezza naturale e stati d'animo transitori. L'uso di immagini naturali e la capacità di evocare un'atmosfera in poche parole sono tratti distintivi di questa forma poetica.

L'autrice utilizza un linguaggio semplice e diretto, con una forte attenzione alle immagini visive. La scelta delle parole "caldi raggi di sole" e "magnolie fiorite" crea un contrasto tra la luce e i colori della natura, trasmettendo un senso di calore e bellezza.

"Teriperacitando Amor" di Jacqueline Miu

"Teriperacitando Amor" è una poesia libera, priva di una metrica rigida o di uno schema di rime, ma caratterizzata da un flusso di immagini e sensazioni che si susseguono in modo fluido e naturale.

La poesia esplora temi di amore e desiderio, intrecciati con l'ambiente urbano di Milano. La Luna, le guglie del Duomo e la città stessa diventano simboli e testimoni del sentimento amoroso dell'autrice, che si esprime attraverso immagini evocative e cariche di emotività.

Il testo richiama la poesia romantica, dove i sentimenti personali vengono proiettati nel paesaggio circostante. L'uso di immagini urbane e naturali per esprimere l'amore può ricordare poeti come Charles Baudelaire, che trovava bellezza e significato nella città e nei suoi dettagli.

Miu utilizza un linguaggio ricco di immagini e metafore. La personificazione della Luna e delle guglie del Duomo, così come l'immagine dei "baci che t’arriveranno solo se prendi sonno", creano un'atmosfera magica e sognante. La struttura libera permette all'autrice di esprimere i suoi pensieri in modo spontaneo e fluido, catturando l'essenza del momento.

"All’improvviso" di Franco Fronzoli

"All’improvviso" è una poesia strutturata in versi liberi, priva di uno schema metrico fisso o di rime regolari. La lunghezza variabile dei versi e l'uso di enjambement contribuiscono a creare un ritmo naturale e meditativo.

Il tema principale della poesia è il passare del tempo e la riflessione sulla vecchiaia. L'autore esplora la consapevolezza del tempo che passa, le inevitabili trasformazioni fisiche e la ricerca di significato nella vita che si avvicina al tramonto.

La riflessione sul passare del tempo e sulla vecchiaia richiama alla mente i sonetti di William Shakespeare e le poesie di W.B. Yeats, che spesso esplorano temi di mortalità e trasformazione. La consapevolezza del tempo e il rimpianto per ciò che non è stato fatto sono temi universali nella letteratura.

Fronzoli utilizza un linguaggio semplice e diretto per esprimere concetti profondi e universali. Le immagini delle "rughe intorno ai contorni degli occhi" e dei "capelli che tendono al candore" evocano una sensazione di vulnerabilità e introspezione. La struttura libera della poesia permette all'autore di esplorare le sue riflessioni in modo fluido e naturale, creando un dialogo intimo con il lettore.

"Vita sogno, sogno vita" di Piero Colonna Romano

Piero Colonna Romano esplora la dicotomia tra vita e sogno, un tema centrale nella filosofia e nella letteratura. Il confronto tra le visioni di Calderón de la Barca, con il suo celebre "La vida es sueño" (La vita è sogno), e di Federico García Lorca, con "La vida no es sueño. Alerta! Alerta! Alerta!" (La vita non è sogno. Allerta! Allerta! Allerta!), crea un ponte tra due concezioni opposte: la vita come illusione e la vita come realtà da affrontare con consapevolezza.

Il poeta affronta la questione esistenziale del significato della vita e del sogno, paragonandola al nodo di Gordio, un problema complesso e apparentemente insolubile. La metafora degli "specchi in gioco" evidenzia la complessità e l'interconnessione tra vita e sogno, suggerendo che entrambi sono riflessi e distorsioni dell'esperienza umana.

La poesia è composta da quattro strofe di versi endecasillabi, con una struttura che alterna rime baciate e rime incrociate. Questo schema conferisce al componimento un ritmo cadenzato e solenne, che si addice al tono filosofico e meditativo del testo.

Il linguaggio poetico è ricco di immagini e simboli che evocano la natura effimera e misteriosa della vita e del sogno. Termini come "specchi", "fantasmi della mente" e "grovigli di speranze" creano un'atmosfera onirica e introspezione, riflettendo la complessità dei temi trattati.

La vita e il sogno sono presentati come doni inaspettati e temporanei. La ripetizione del concetto di dono ("dono che non chiediamo") sottolinea la natura involontaria e misteriosa dell'esistenza e dei sogni.

Il riferimento a Calderón de la Barca e García Lorca posiziona il poema in un contesto letterario più ampio, collegandolo alla tradizione spagnola della riflessione esistenziale. La citazione di questi due autori sottolinea la tensione tra l'illusione e la realtà, un tema che ha attraversato secoli di letteratura e filosofia.

"Vita sogno, sogno vita" di Piero Colonna Romano è un'opera che invita alla riflessione profonda sul significato della vita e dei sogni. Attraverso un linguaggio ricco e un uso sapiente delle immagini, il poeta riesce a evocare l'intricato rapporto tra realtà e illusione, lasciando aperta la domanda esistenziale che ha affascinato pensatori e poeti per secoli. La poesia diventa così un viaggio introspezione, un percorso attraverso i "grovigli di speranze, certezze ed illusioni" che definiscono l'esperienza umana.

"Io, ciabattino di parole" di Ben Tartamo

"Io, ciabattino di parole" è una poesia introspettiva che esplora temi di redenzione, umiltà e l'arte della scrittura. Il poeta riflette sulla sua condizione umana e sul potere delle parole, paragonandosi a un ciabattino che ripara vecchie scarpe con chiodi ormai esauriti. La figura del ciabattino diventa una potente metafora per l'atto creativo del poeta che cerca di dare un nuovo significato e scopo alla propria esistenza attraverso la poesia.

Il tema centrale della poesia è la caduta e la redenzione. Il poeta si confessa come colpevole di aver offeso una dimensione superiore ("Te che sei Immensità") per via delle proprie debolezze e imperfezioni. Questa confessione è un atto di umiltà e riconoscimento della propria "Nullità" davanti a un'entità divina.

Nonostante la redenzione ricevuta ("mi hai levato / e una nuova veste / mi hai donato"), il dolore persiste. Questo rappresenta il peso del peccato e delle colpe passate, che rimangono come cicatrici nella vita del poeta. La nuova veste simboleggia una nuova opportunità, un rinnovamento spirituale, ma il dolore è un segno tangibile del percorso di espiazione.

La poesia è composta da versi liberi, senza uno schema metrico o rimico fisso. Questo conferisce al componimento una fluidità che riflette il flusso dei pensieri e delle emozioni del poeta. La scelta di un linguaggio semplice e diretto enfatizza l'intimità e la sincerità della confessione.

Il linguaggio della poesia è denso di simboli e immagini evocative. Il poeta si descrive come "ciabattino di parole", un artigiano che lavora con umiltà e fatica, cercando di riparare e rimediare attraverso le sue parole. Questa metafora suggerisce che le parole sono strumenti di guarigione e redenzione, anche se a volte sembrano insufficienti ("non ho altri chiodi / per le mie vecchie suole").

La poesia gioca molto sulla dualità: caduta e sollevamento, peccato e redenzione, dolore e guarigione. Questi contrasti creano una tensione che riflette il conflitto interiore del poeta e il suo desiderio di trovare pace e riconciliazione.

L'invocazione diretta al "Signore" e il riconoscimento della "Immensità" di Dio collocano la poesia in un contesto spirituale. Il tono di preghiera e confessione richiama la tradizione dei testi sacri e dei salmi biblici, dove l'individuo cerca il perdono e la guida divina.

l verso che colpisce particolarmente è:

"Ora non ho altri chiodi per le mie vecchie suole."

Questo verso è significativo perché sintetizza la condizione del poeta: un artigiano delle parole che ha usato tutti i suoi strumenti disponibili, sentendosi al contempo esausto e in cerca di nuovi mezzi per esprimere la propria arte. Rappresenta la lotta creativa e la continua ricerca di significato e redenzione attraverso la poesia.

"Io, ciabattino di parole" di Ben Tartamo è una riflessione intima e sincera sulla caduta e la redenzione. Attraverso un linguaggio semplice ma carico di simboli, il poeta esplora il tema della colpa e della guarigione spirituale, riconoscendo la propria fragilità e la necessità di un intervento divino. La poesia, con la sua struttura libera e il suo stile evocativo, offre una meditazione profonda sulla condizione umana e sulla possibilità di rinascita attraverso il dolore e la fede.

"Frangente" di Alessio Romanini

"Frangente" esplora la connessione profonda e intima del poeta con il mare, un tema classico della letteratura. Il mare è personificato come un'entità che chiama e accoglie, evocando sentimenti di nostalgia e speranza. Il poeta desidera riflettere la propria immagine nelle acque del mare, cercando una forma di purificazione e rigenerazione.

La poesia sottolinea anche il desiderio di quiete e silenzio, con il poeta che si lascia cullare dal suono delle onde e si abbandona alla serenità del mare. Questa ricerca di tranquillità rappresenta una fuga temporanea dalla frenesia della vita quotidiana, un rifugio spirituale e mentale.

La poesia è composta da versi liberi, senza uno schema metrico fisso. Questo conferisce al componimento un ritmo naturale che ricorda il movimento delle onde del mare. Le immagini evocative del gabbiano, delle onde schiumose e delle conchiglie creano un'atmosfera di serenità e contemplazione.

Le metafore del mare come specchio dell'anima e della conchiglia che dondola nel frangente sottolineano la profondità del legame del poeta con la natura. La conchiglia, in particolare, simbolizza fragilità e resistenza, riflettendo l'esperienza umana di trovare pace in mezzo al tumulto.

"La nicchia della vita" di Sandra Greggio

"La nicchia della vita" si concentra sulla ricerca della pace e della serenità in un mondo segnato da malattie e morte. Il poeta esplora vari luoghi – boschi, conchiglie, abissi marini – in cerca di una pace che sembra inafferrabile. Questo viaggio simboleggia la ricerca interiore dell'essere umano alla ricerca di significato e tranquillità.

La scoperta del bambino con grandi occhi e splendido sorriso rappresenta una rivelazione. Il poeta realizza che la vera pace risiede nella purezza e nell'innocenza dell'infanzia, incarnata dall'utero materno come luogo di protezione e serenità. Questa immagine richiama l'idea di un rifugio primordiale, un luogo incontaminato dove la vita inizia.

La poesia utilizza versi liberi, mantenendo un ritmo che segue il flusso dei pensieri del poeta. L'uso di immagini vivide e concrete, come gli "anfratti dei boschi" e le "conchiglie", crea un senso di tangibilità che rende il viaggio del poeta più reale e immediato.

Le metafore dell'utero materno come "nicchia protetta" e "dimora di questo bimbo" evidenziano la ricerca di un luogo sicuro e incontaminato. Questa rappresentazione della nascita come un rifugio di pace contrasta con la durezza del mondo esterno, enfatizzando il valore della purezza e dell'innocenza.

Prof. Marino Spadavecchia

''Risveglio sul Garda'' di Bruno Castelletti

In "Risveglio sul Garda," Bruno Castelletti dipinge un quadro sereno e idilliaco del Lago di Garda all'alba, utilizzando un linguaggio che richiama la delicatezza e la bellezza naturale del luogo. La poesia si apre con l'immagine delle creste che si colorano di rosa, evocando una sensazione di meraviglia e di rinascita. Questo momento di transizione tra la notte e il giorno è descritto come "l'inno della gioia", una metafora potente che celebra la continuità della vita e la bellezza del quotidiano.
 

La struttura della poesia è libera, con versi che fluiscono senza rigide restrizioni metriche, riflettendo la naturalezza del paesaggio descritto. Castelletti utilizza una serie di immagini vivide e concrete: le finestre che si aprono nel turchino, il pescatore che distende le reti, il giardiniere che coltiva i fiori. Questi dettagli creano un senso di intimità e di connessione con la natura, simile alle descrizioni pastorali di William Wordsworth.
 

La presenza degli arcobaleni di farfalle e delle bianche vele sull'acqua verde-chiaro aggiunge un tocco di leggerezza e di speranza, completando il quadro di una mattina perfetta. La poesia culmina in un'immagine di pace e di armonia, suggerendo che la vera bellezza risiede nella semplicità della vita quotidiana.
 

''Monoku'' di Laura Lapietra
 

Il "Monoku" di Laura Lapietra è un distillato di pura essenza poetica. Questo breve componimento, che si potrebbe definire un haiku monorima, cattura in pochi versi un'intera scena di rinascita e freschezza. La nascita della rugiada tra i bocci di rose all'alba evoca una sensazione di purezza e di nuovo inizio, un tema centrale nelle tradizioni poetiche giapponesi.
 

Lapietra, con la sua apparente economia di parole, riesce a trasmettere un'immagine chiara e vibrante, richiamando l'attenzione sui piccoli miracoli quotidiani che spesso passano inosservati. La freschezza della rugiada e la bellezza dei bocci di rose sono simboli di speranza e di rinnovamento, temi universali che trovano eco nelle opere di Matsuo Bashō e altri maestri dell'haiku.
 

''Tex'' di Armando Bettozzi
 

Armando Bettozzi, con "Tex," ci offre una riflessione acuta e pungente sulla manipolazione dell'informazione e l'importanza dell'onestà e del coraggio. La poesia è un omaggio al famoso personaggio dei fumetti Tex Willer, simbolo di giustizia e di rettitudine, contrapposto alla malafede della stampa e dei manipolatori moderni.
 

Bettozzi utilizza una metrica regolare e una rima alternata, conferendo al componimento un ritmo incalzante che rafforza il messaggio di denuncia. Le immagini dell'ape laboriosa e del fiore sano da cui trae il miele sono metafore potenti che contrastano con i petali che producono fiele, rappresentando la differenza tra la verità e la menzogna.
 

Il riferimento alla "Civiltà" e alla "Giustizia" come miraggi riflette un senso di disillusione, ma anche una speranza che, come nel Far-West di Tex, la verità e il coraggio possano prevalere. Questa poesia si inserisce in una lunga tradizione di critica sociale che trova paralleli nelle opere di autori come Bertolt Brecht e George Orwell, utilizzando il linguaggio della poesia per esprimere una profonda verità morale.
 

''Fiammate'' di Salvatore Armando Santoro
 

"Fiammate," di Salvatore Armando Santoro, è un sonetto che esplora l'intensità delle emozioni umane attraverso una serie di immagini vivide e vibranti. Il poeta, ispirato da una figura femminile ignara della sua influenza, dipinge un quadro lirico di amore e passione che brucia con l'intensità di un vulcano, simboleggiato dal Mongibello, o Etna.
 

Il sonetto è strutturato in rime alternate (ABAB ABAB CDE EDC FF), con un ritornello che richiama la musicalità e la ripetizione tipica delle ballate popolari. Le immagini naturalistiche—"tramonti e cieli tersi," "acqua di ruscello," "frinire dei grilli"—conferiscono alla poesia una qualità quasi pastorale, reminiscente delle egloghe di Virgilio, mentre il tono leggero e giocoso evoca la spensieratezza dei sonetti di Petrarca.
 

Santoro utilizza la metafora del pesce che balza fuori dall'acqua per rappresentare l'irruzione dell'amore nella sua vita, un tema che richiama le metamorfosi descritte nelle opere di Ovidio. Il cuore tremante e il narciso rappresentano rispettivamente la vulnerabilità e la vanità dell'amante, mentre il frinire dei grilli sottolinea la monotonia e l'insistenza del desiderio non corrisposto.
 

La poesia si conclude con una nota di malinconia, suggerendo che, nonostante l'intensità dei suoi sentimenti, l'amore rimane un sogno sfuggente, un tema universale che attraversa la letteratura di ogni epoca.
 

La versione russa di "Fiammate" mantiene la stessa struttura e intensità emotiva dell'originale italiano. Tradotto con cura, il testo cattura l'essenza della passione descritta dal poeta, arricchendo ulteriormente l'universalità dei sentimenti umani attraverso la lingua russa. L'uso delle stesse immagini—"tramonti e cieli tersi," "acqua di ruscello," "narciso"—rende evidente come le emozioni e le metafore poetiche possano trascendere le barriere linguistiche e culturali.
 

''Perché buio?'' di Alessandra Piacentino
 

In "Perché buio?" Alessandra Piacentino esplora il tema dell'oscurità interiore con una profondità che richiama le meditazioni esistenziali di autori come Emily Dickinson e Charles Baudelaire. La poesia si muove attraverso un ritmo libero, privo di una struttura metrica rigida, che riflette la natura frammentata e caotica dei pensieri e delle emozioni umane.
 

Il testo è ricco di immagini oscure e inquietanti: "Buio annegato nelle serrature delle porte," "relitti e sogni traditi," "respirare in una pozzanghera nera." Queste immagini evocano un senso di claustrofobia e disperazione, suggerendo un'esperienza di sofferenza e solitudine che si avvicina alle descrizioni infernali di Dante nella Divina Commedia.
 

Piacentino usa domande retoriche—"Perché buio?"—per esprimere l'angoscia e l'incomprensione di fronte all'oscurità, creando un dialogo interiore che riflette la ricerca di significato e di speranza. La poesia si chiude senza una risoluzione, lasciando il lettore a confrontarsi con l'inevitabilità dell'oscurità, un tema centrale nella filosofia esistenziale.
 

''Notte sola''di Cristiano Berni
 

"Notte sola", di Cristiano Berni, è una meditazione sull'isolamento e la malinconia, resa attraverso un linguaggio evocativo e lirico. La poesia si apre con un'immagine di quiete e silenzio, che presto si trasforma in un paesaggio emotivo dominato da rimorsi e malinconie. La "Luna bianca e lasciva" che splende alta nel cielo ricorda le descrizioni romantiche e gotiche di poeti come Edgar Allan Poe e Percy Bysshe Shelley.
 

La struttura della poesia è libera, con versi che fluiscono come il pensiero stesso, senza restrizioni formali. Le immagini della pioggia e delle stelle che piangono creano un'atmosfera onirica e surreale, suggerendo una fusione tra il mondo esterno e l'interiorità del poeta.
 

Berni utilizza un linguaggio ricco di ossimori e contrasti—"orrenda e sublime," "lacrime ed il fumo"—per esprimere la complessità delle emozioni umane. Il tintinnio della pioggia magra, che confonde i pensieri del poeta, è una metafora potente della confusione e del tormento interiore, evocando l'immagine del caos che scaturisce dall'apparente tranquillità della notte.
 

In conclusione, "Notte sola" è una riflessione profonda e toccante sulla solitudine e il dolore, che invita il lettore a esplorare le proprie emozioni e a confrontarsi con le ombre che abitano l'animo umano.
 

''Ho pianto lacrime mute nel silenzio''di Franco Fronzoli
 

In questa lirica struggente, Franco Fronzoli esplora il dolore del distacco e la solitudine che ne consegue. Il poeta utilizza versi liberi e privi di rime, una scelta che riflette la frammentazione e la discontinuità dell’esperienza emotiva descritta. L'assenza di una metrica rigida conferisce al testo un ritmo naturale, simile a un flusso di coscienza, che avvicina il lettore alla dimensione intima del poeta.
 

Il tema della lacrima muta, ripetuto in varie sezioni della poesia, richiama il concetto di un dolore profondo e silenzioso, che si manifesta in un contesto di intimità e vulnerabilità. L’atto di piangere in silenzio per non disturbare il sonno dell’amata sottolinea una delicatezza e un rispetto per i sentimenti dell’altro, anche nel momento del massimo dolore. Questa contrapposizione tra il bisogno di esprimere il proprio dolore e la necessità di proteggere l’altro ricorda le tematiche delle liriche di Pablo Neruda, in cui l’amore e la sofferenza si intrecciano in modo indissolubile.
 

Le immagini dei "tramonti seduti sulla sabbia" e il riferimento a "un angolo del mio cuore dove non fa male" evocano una nostalgia che è allo stesso tempo dolce e dolorosa, un sentimento che ha trovato una sua forma di pace, pur nella consapevolezza dell'irreversibilità della perdita. La conclusione, con la decisione di non aspettare più un ritorno e di non voler più versare lacrime mute, rappresenta una sorta di risoluzione e accettazione del proprio destino, un tema caro alla poesia esistenzialista.
 

''Resilienza'' di Bruno Amore
 

In "Resilienza", Bruno Amore celebra la capacità umana di sopravvivere e prosperare nonostante le avversità, utilizzando la metafora della pianta di "rosa maris" che cresce contorta e robusta. La poesia è composta da versi liberi, che permettono una fluidità e una naturalezza nella narrazione, simili allo stile di Walt Whitman, che celebrava la forza e la bellezza della natura e dell'animo umano.

L’immagine dell'arbusto che si infoltisce e ombreggia per alleviare l'arsura delle proprie vene è una potente rappresentazione della resilienza, che non si basa sull'arroganza (albagia) ma sull'istinto e sulla necessità di sopravvivenza. Questa descrizione richiama le tecniche di personificazione utilizzate dai poeti romantici, che vedevano la natura come uno specchio delle emozioni umane.

L’uso di termini come "fibra d’acciaio" e "curvo il groppone" sottolinea la forza fisica e spirituale necessaria per proteggere e salvare i propri cari dalla disgrazia, un tema che si rispecchia nella poesia di Robert Frost, dove la lotta contro le forze avverse della natura rappresenta metaforicamente la lotta dell’individuo contro le difficoltà della vita.

L’ultima strofa introduce un tono filosofico, con riflessioni sul destino e sulla cupidigia umana, che si scontrano con la purezza intonsa del firmamento celeste. Questo contrasto tra il divino e l’umano, tra l’immenso e il contingente, riecheggia i temi presenti nelle opere di poeti metafisici come John Donne, che esploravano la tensione tra la spiritualità e la realtà terrena.

''La felicità'' di Francesco Mitrano

"La felicità" di Francesco Mitrano è una riflessione sulla vera natura della felicità, contrapposta ai valori materiali e superficiali della società contemporanea. La struttura del poema è libera, priva di rime o di una metrica definita, che permette al poeta di esprimere i suoi pensieri in modo diretto e sincero, simile al tono colloquiale delle poesie di William Carlos Williams.

Mitrano utilizza una serie di anafore—"La felicità?"—per sottolineare i diversi aspetti della felicità, che non risiede negli oggetti di lusso o nelle relazioni superficiali, ma nei legami autentici e nelle esperienze condivise con le persone amate. Questo uso ripetitivo della domanda retorica crea un ritmo incalzante che guida il lettore attraverso le riflessioni del poeta.

Il contrasto tra il materialismo e i valori umani essenziali richiama le opere di poeti come Henry David Thoreau, che nella sua opera "Walden" esplorava la semplicità e l’essenzialità come vie per raggiungere una felicità genuina. Le immagini di passeggiate in spiaggia, corse mattutine, e momenti familiari descrivono una felicità radicata nell’esperienza quotidiana e nella natura, simile alle celebrazioni della vita semplice e pura nei versi di Seamus Heaney.

In conclusione, Mitrano afferma che la felicità risiede in ciò che non può essere comprato, nei legami affettivi e nella semplicità della vita quotidiana, un messaggio universale che risuona profondamente nel contesto contemporaneo, dove spesso i valori materiali prevalgono su quelli spirituali e umani.

''In riva'' di Nino Silenzi

"In riva", di Nino Silenzi, è una poesia che evoca un momento di profonda quiete e riflessione lungo il litorale. Il poeta utilizza immagini naturali per dipingere un quadro di serenità e contemplazione, evocando la calma del mare in un'ora di pace. La struttura libera della poesia, priva di rime e con un ritmo che segue il flusso dei pensieri, ricorda lo stile di poeti come Walt Whitman, che utilizzava il verso libero per esplorare l'interiorità e la connessione con la natura.

La personificazione del mare e delle onde che "sorridono occhieggianti" e l'immagine di "Urano alto sul mondo" con il suo "occhio ceruleo" conferiscono alla scena un tono quasi mitologico, richiamando l'idea di un'armonia cosmica. Questo ricorda le evocazioni del sublime naturale che si trovano nei poemi di poeti romantici come William Wordsworth, che vedevano nella natura una manifestazione del divino.

Il silenzio che pervade la scena ("Tacciono le brezze e l’onde. Silenzio profondo") permette al poeta di riflettere sulle estati passate, su giochi felici e rimpianti vani. Questa commistione di passato e presente, di memoria e esperienza, è una tecnica comune nella poesia lirica, che qui serve a rivelare un processo di rinascita interiore, con il "cuore che ritorna vergine."

''Il rifugio''di Felice Serino

Felice Serino, in "Il rifugio", esplora il tema del dolore e del desiderio di conforto attraverso l'immagine del cormorano incatramato. Questa metafora potente e viscerale cattura l'idea di essere appesantiti dal dolore, incapaci di amare appieno a causa del legame con la terra e la sofferenza che ne deriva. Lo stile del poeta, conciso e diretto, ricorda la poesia confessionale di autori come Sylvia Plath, che utilizzavano immagini forti per esprimere l'angoscia personale.

L'anelito per un rifugio, descritto come un "grembo di madre," è un ritorno a un luogo di sicurezza e amore incondizionato. Questa immagine richiama temi freudiani di regressione e desiderio di sicurezza, ma anche motivi archetipici di rifugio e nutrimento. La datazione precisa della poesia ("9.10.23") conferisce un senso di immediatezza e realtà alla sofferenza espressa, rendendo il dolore palpabile e attuale.

''Cicale'' di Alessio Romanini

La poesia "Cicale" di Alessio Romanini è un tuffo nostalgico nell'infanzia e nella memoria uditiva. Romanini utilizza la figura del frinire delle cicale come simbolo del passato perduto, un suono che rappresenta l'estate, la spensieratezza e la giovinezza. La struttura della poesia, con rime alternate e una metrica regolare, conferisce un ritmo musicale che evoca il canto delle cicale stesse.

Il desiderio di rivivere la magia del passato ("Vorrei naufragare in siffatto mare!") e la consapevolezza del tempo che passa sono temi universali, che richiamano le opere di poeti come Giacomo Leopardi, che spesso riflettevano sulla fugacità della vita e la nostalgia per l'infanzia. La chiusa ottimista, in cui il poeta spera ancora di poter "rivivere delle cicale, in codesta serata," suggerisce una speranza nella capacità della memoria di ridare vita a momenti passati, una celebrazione della continuità della vita e del ricordo.

Romanini utilizza un linguaggio semplice e diretto, ma con una profondità emotiva che rende la poesia accessibile e toccante. La riflessione sulla propria vita e sul tempo trascorso è resa con un tono affettuoso e malinconico, che invita il lettore a una meditazione simile sulla propria esistenza.

''L'albero della vita'' di Sandra Greggio

"L'albero della vita" di Sandra Greggio è una riflessione poetica sul trascorrere del tempo e sull'intermittenza della vita, simbolizzata attraverso l'albero di Natale. Greggio utilizza una metafora potente, quella delle luci intermittenti dell'albero, per rappresentare i momenti di gioia e tristezza che punteggiano la nostra esistenza. Il poeta ci pone di fronte al contrasto tra la vitalità del passato, rappresentata dall'atto di addobbare l'albero, e la staticità del presente, simboleggiata dallo sguardo imbambolato del protagonista.

La struttura della poesia è semplice ma efficace, con versi liberi che seguono il flusso del pensiero del poeta. L'uso della ripetizione ("Dicembre ha i suoi tempi morti") crea un effetto di risonanza che enfatizza la ciclicità e l'inevitabilità del declino. Il riferimento al "9 dicembre 2023" colloca la poesia in un contesto specifico, rendendola un riflesso immediato del tempo presente.

Le immagini di luci che "si spegneranno... per sempre" evocano una sensazione di finale ineluttabile, simile ai temi esistenziali trattati da poeti come Emily Dickinson, che spesso esploravano la fragilità della vita umana. La poesia termina con una nota di malinconia, suggerendo che la vita, come le luci dell'albero, è destinata a spegnersi, ma non prima di aver brillato.

''Un amore impossibile'' di Jacqueline Miu

Jacqueline Miu, in "Un amore impossibile", esplora il tema dell'amore idealizzato e irraggiungibile attraverso immagini oniriche e surreali. La poesia si apre con una serie di ipotesi visionarie, dove i protagonisti potrebbero "ballare tutta la notte, coi vampiri, coi lupi" e "abbaiare alle porte dei fantasmi di pietra." Queste immagini evocano un mondo gotico e fantastico, che richiama le atmosfere delle poesie di Edgar Allan Poe.

La struttura della poesia è libera, con versi che fluiscono come un sogno, e un linguaggio ricco di simbolismo. Le immagini di "ballare sulle corde vocali del cielo" e "affacciarti al mare di stelle bianche" suggeriscono un desiderio di trascendere la realtà e raggiungere un livello di esistenza più elevato. Questo desiderio di evasione e di amore puro è tipico della poesia romantica, ma Miu lo infonde con una modernità e un'urgenza che lo rendono unico.

L'uso di parole come "Infinito. Assurdo. Impossibile. Vero." alla fine della poesia enfatizza il paradosso dell'amore impossibile, che è tanto irraggiungibile quanto reale nei suoi effetti emotivi. La poesia è un'esplorazione lirica e intensa del desiderio umano di connettersi a qualcosa di più grande, un tema che risuona profondamente in un'epoca di isolamento e frammentazione.

''Tempo di treni'' di Piero Colonna Romano

"Tempo di treni" di Piero Colonna Romano è una meditazione filosofica sulla transitorietà del tempo e l'esperienza del viaggio. La poesia, con la sua struttura brevissima e ritmata, ricorda le poesie haiku per la sua economia di parole e la profondità di significato. Colonna Romano utilizza l'immagine del viaggio in treno come metafora della vita, un tema che richiama le opere di poeti modernisti come T.S. Eliot, che spesso esploravano la frammentazione e l'alienazione della vita moderna.

La ripetizione e il parallelismo nei versi ("Parto da una stazione / viaggio senza opinione") creano un senso di monotonia e inevitabilità, suggerendo che il viaggio della vita è spesso privo di scopo o direzione. La riflessione sul tempo che "è il tempo obliare" e "giunto è quello d'andare" evoca la fugacità della vita e l'inevitabilità del progresso del tempo.

La poesia termina con una nota di rassegnazione ma anche di accettazione, suggerendo che il viaggio deve continuare nonostante l'incertezza. Questo tema della continua ricerca e del movimento perpetuo è una riflessione profonda sulla condizione umana, che Colonna Romano esprime con una semplicità e una chiarezza che rendono la poesia accessibile e potente.

''Emozioni su onde smeraldo''di Antonia Scaligine

"Emozioni su onde smeraldo" di Antonia Scaligine è una celebrazione lirica dell'estate, un inno a Luglio che si snoda tra immagini vibranti e sensazioni vivaci. Il poeta cattura l'essenza di questa stagione attraverso descrizioni sensoriali e visive, che trasportano il lettore direttamente in un paesaggio estivo di sogni e di calore.

La struttura della poesia è caratterizzata da un andamento fluido e melodioso, con versi brevi e rime interne che creano un ritmo quasi musicale. La ripetizione del concetto di "onde smeraldo" che sfidano "sogni e caldo" funge da refrain, enfatizzando l'immagine centrale della poesia e donando una coesione tematica.

Scaligine usa una serie di contrasti per esaltare le sensazioni estive: le "notti vivaci" si contrappongono alla calma apparente della natura; le "chimere che sfidano il sole" evocano l’idea di sogni impossibili contro la realtà bruciante del giorno. La personificazione di Luglio come una figura che "si adagia su fantasie e follie" conferisce un carattere quasi mitico al mese estivo, rafforzato dall’uso di termini come "meraviglioso" e "gioioso".

L'immagine della donna in minigonna che "struscia passione" è particolarmente evocativa, suggerendo l'energia e la sensualità dell'estate. Questo riferimento visivo, insieme alla descrizione del suo "seno che lievita la maglia" e "l’abbronzata caviglia", trasforma la poesia in una celebrazione della bellezza e della vitalità. La chiusa in dialetto ("nu canestre de cerase / che a sera Dio l’esse e a matina u’trase") aggiunge un tocco di autenticità e radicamento culturale, richiamando la tradizione popolare e le sue espressioni colorite.

La poesia, nel suo complesso, trasmette un senso di gioia e di abbandono estivo, una pausa dalla quotidianità dove le emozioni e i sensi sono esaltati.

''A Perugia'' di Carlo Chionne

"A Perugia" di Carlo Chionne è una poesia che celebra il ritorno della città alla sua gloria storica e culturale. Con un tono gioioso e patriottico, il poeta evoca immagini di vittoria e resilienza che risuonano attraverso i secoli.

La struttura della poesia è semplice, con rime baciate che conferiscono un ritmo cantilenante e festoso. Il riferimento ai "Ferdinandi" e al canto della "Vittoria" suggerisce una connessione storica, richiamando eventi passati che hanno segnato la storia della città. Questo senso di storicità è ulteriormente enfatizzato dal termine "grande solco della tua storia", che suggerisce una continuità e un legame profondo con il passato.

Chionne usa una metafora significativa per descrivere Perugia come "una roccia", simbolo di forza e stabilità. Questo simbolismo è particolarmente potente quando contrapposto alla "triste e sola" figura di un'altra città, rappresentata come smarrita e fragile mentre "sfoglia la … Margherita". La metafora della margherita, con il suo gioco di "m'ama, non m'ama", allude alla precarietà e all'incertezza, forse riferendosi a un periodo di crisi o di perdita di identità.

L'uso delle espressioni colloquiali aggiunge una dimensione di immediatezza e familiarità alla poesia, rendendola non solo un'ode alla città ma anche un'affermazione della sua cultura e delle sue tradizioni.

In conclusione, "A Perugia" è una poesia che celebra la resilienza e la forza di una città storica, esprimendo un profondo senso di orgoglio e appartenenza che risuona con chiunque abbia una connessione emotiva con il luogo.

"Riposare" di Ben Tartamo

"Riposare" di Ben Tartamo è una meditazione profonda e contemplativa sull'esistenza, il senso della vita e la ricerca di armonia. Il titolo stesso, "Riposare", suggerisce un desiderio di pace e serenità, un bisogno di trovare equilibrio e significato.

La struttura della poesia è organizzata in quattro strofe di sei versi ciascuna, con una metrica libera che consente una fluidità espressiva. Le rime sono presenti ma non forzate, creando un'armonia naturale che riflette il contenuto spirituale e riflessivo del testo.

Prima Strofa
> E quanto tempo ci vorrà
> - ce ne vorrà tanto ancora?- ,
> perché la mia parola
> abbia un senso che ci darà
> ad ogni vita, che sola,
> un senso pieno poi non ha.

La prima strofa introduce il tema del tempo e della parola. Il poeta si interroga su quanto tempo sia necessario perché la sua parola acquisti un significato pieno. Questa riflessione sulla parola come portatrice di senso richiama le tematiche esistenziali presenti nella poesia di Rainer Maria Rilke, dove il linguaggio è un mezzo per cercare e trovare il significato dell'esistenza. La vita, descritta come "sola", necessita di un senso che solo attraverso la parola può essere colmato.

Seconda Strofa
> Io, eterno verticale,
> che respira il Tuo profumo
> che non ha mai in sé nessuno.
> Io vorrei, orizzontale,
> abbracciare ad uno ad uno
> ciò ch'è verde ed ospitale.

Nella seconda strofa, Tartamo utilizza una dicotomia visiva ed esistenziale: il verticale e l'orizzontale. L'"eterno verticale" evoca immagini di stabilità e aspirazione spirituale, come un albero che si innalza verso il cielo, un'immagine cara a poeti come Walt Whitman. Il desiderio di diventare "orizzontale" rappresenta un desiderio di connessione e abbraccio con tutto ciò che è "verde ed ospitale", un ritorno alla natura e alla terra, una fusione con il mondo naturale.

Terza Strofa
> E lasciarmi attraversare
> da quel sogno di radici,
> ombre di luci e vagiti
> che vedremo poi danzare
> - un tutt'uno alle pendici -,
> frutti rossi da gustare.

La terza strofa amplifica l'immagine della fusione con la natura attraverso il "sogno di radici". Le radici simboleggiano la connessione profonda con la terra, un tema che richiama il ciclo vitale della natura. Le "ombre di luci e vagiti" evocano un paesaggio di nascita e crescita, di speranza e nuova vita. La danza delle radici e i "frutti rossi da gustare" rappresentano la promessa di ricompense tangibili e spirituali.

Quarta Strofa
> E nell'eterna armonia
> dove il tempo è presente
> e nel futuro si espande,
> trovare la Poesia
> che con l'Amore contende
> la divina Sinfonia.

La strofa finale eleva il discorso a una dimensione metafisica. Tartamo aspira a trovare l'eterna armonia, un luogo dove il tempo è sia presente che futuro, un concetto che richiama l'eternità di Platone e l'idea del tempo presente in Sant'Agostino. La Poesia e l'Amore sono presentati come contendenti nella creazione della "divina Sinfonia", un'immagine che riecheggia la concezione romantica della poesia come forma suprema di espressione umana e divina.

"Riposare" di Ben Tartamo è una poesia che esplora la profondità dell'esistenza umana e la ricerca di senso attraverso la connessione con la natura, il tempo e la parola. Con una scrittura lirica e meditativa, Tartamo invita il lettore a riflettere sull'armonia universale e sul ruolo della poesia e dell'amore nella comprensione della vita.
 

Prof. Marino Spadavecchia